De son support, le pain, symbole religieux du corps humain, l’artiste pars ainsi d’une vue globale du monde et zoom jusqu’à sonder au plus profond de l’être humain. À travers cette exposition, il souhaite questionner l’identité de l’homme. Qui sommes-nous ? Comment sommes-nous représentés ? Comment voulons-nous être perçus ?

David Reimondo, né à Gênes en 1972, s’efforce de répondre à ces questions en mettant en scène des contenants vidés de leur substance : cartes du monde, immeubles et vêtements sans être humain. Cette absence renforce l’idée de l’existence de l’homme à travers son apparence et par son appartenance socio ethnique. À travers ces interrogations, le travail de David Reimondo présente toujours une grande force esthétique, d’une légèreté visuelle accentuée par l’utilisation d’une résine transparente ! David Reimondo fait preuve d’une maîtrise technique que peu d’artistes contemporains sont capables de mettre en œuvre.

« L’œuvre de Reimondo est habité par une présence divine, du moins une mythologie de l’ailleurs, un créateur qui ferait naître de ses réalisations l’homme… » écrit Raphaël Turcat, rédacteur en chef de Technikart, dans l’introduction au catalogue.

Le catalogue David Reimondo, créé et édité par Communic’art pour la galerie Di Meo, est paru en juin 2010.

Textes de Lydie et Nello Di Meo et Raphaël Turcat, trilingue français/anglais/espagnol, relié, 135 x 170 cm, 64 pages, prix : 20 € TTC, ISBN : 978-2-916277-28-8

Galerie Di Meo – 9 rue des Beaux-Arts – 75008 Paris – Tel : 01 43 54 10 98 – www.dimeo.fr

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L’artiste français Loïc Le Groumellec et l’artiste américain Will Cotton présentent leurs 2è expositions à la galerie Daniel Templon, à partir du 29 avril 2010. A l’occasion de leur précédente exposition respective, Communic’Art avait créé et édité un catalogue à la demande de la galerie Daniel Templon pour chacun d’entre eux.

Loïc Le Groumellec présente son dernier travail, notamment un triptyque monumental, noir et blanc, face auquel, pour la première fois, il introduit la couleur.

Né en 1957, Loïc Le Groumellec s’est rendu célèbre par ses toiles minimalistes qui déclinent un langage propre, proche de l’obsession : ombres de mégalithes et profils de maisons. Depuis trente ans, ces motifs se répètent dans une approche presque sérielle et dans une recherche de perfection absolue. L’exposition a lieu du 29 avril au 29 mai 2010.

Le catalogue Loïc Le Groumellec, créé et édité par Communic’Art pour la galerie Daniel Templon, est paru en 2008.
Texte d’ Itzhak Glodberg, bilingue français/anglais, relié, 230 x 294 mm, 64 pages, prix : 20€ TTC, ISBN : 978-2-917515-04-4.

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Le peintre américain Will Cotton présente des œuvres autour du thème lacanien du désir et du manque : des paysages de glace et de barbe à papa, les plus éphémères des friandises.

Jouant avec les références à la peinture française du 18ème siècle, de Fragonard à Boucher, Will Cotton conçoit ses toiles comme des utopies. Ce sont des paysages d’abondance où règnent des créatures parées de diadèmes de biscuit, entre ange, déesse ou pin-up. Leurs corps dévoilés, séduisants mais inaccessibles, sont posés dans des univers ambigus où la terre et le ciel se dissolvent. L’exposition se déroule du 29 avril au 19 juin 2010.

Le catalogue Will Cotton, créé et édité par Communic’Art pour la galerie Daniel Templon, est paru en 2004.
Texte d’ Ann Hindry, édition bilingue anglais/français, biographie et bibliographie, relié à l’italienne, 294 x 230 mm, 68 pages, prix : 20€ TTC, ISBN : 978-2-9523914-0-8.

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Galerie Daniel Templon – 30 rue Beaubourg – 75003 Paris – Tel : 01 42 72 14 10 – www.danieltemplon.com

Les catalogues créés et édités par Communic’Art sont distribués par le Comptoir des indépendants.

La première monographie de Philippe Cognée, créée par Communic'Art et éditée par la galerie Templon, avec le concours du centre National des Arts Plastiques

Cette monographie de 288 pages et plus de 200 œuvres reproduites, a été créée et éditée par Communic’Art et la galerie Daniel Templon, avec le concours du Centre National des Arts Plastiques.

Henry-Claude Cousseau nous parle ici du travail de l’artiste, de son parcours et de son évolution picturale et donne toute la mesure de l’œuvre de Philippe Cognée qui se situe au premier plan de la scène française.

- Les œuvres de Philippe Cognée se construisent à partir de la photographie. Quels aspects de ce medium l’ont attirés ?

H-C C : La photographie est en effet devenue essentielle pour Philippe Cognée. Elle vient soudainement neutraliser le puissant espace mythographique dans lequel son travail se trouvait jusqu’alors enfermé. Elle lui permet de repenser la question du sujet, de trouver une liberté nouvelle et de « quitter la terre imaginaire ». Car la photographie, c’est non seulement l’immersion dans le réel, le contact immédiat, intime avec lui, mais c’est surtout la maîtrise, même illusoire, de l’instant.

- Les paysages, les objets, les visages sont brouillés chez Philippe Cognée… Ces « images » s’érigent-elles comme des jeux sur la perception ?

H-C C : Ce qu’il faut bien appeler des images, puisque telle est leur fonction avouée, introduit l’un de ces paradoxes auxquels Cognée nous a déjà habitués. Loin de rivaliser de réalisme, de précision, de virtuosité dans l’ordre de la fidélité aux principes usuels de la représentation, loin de jouer au simulacre, ces images se jouent aussi de la perception optique, elles se situent sur un autre registre, celui de l’insaisissabilité de la matière, de la difficulté à la définir, à la représenter.

- En 1990, une résidence à la Villa Médicis marquera un tournant pour Cognée. Pensez-vous que cette expérience a été une sorte de « libération » pour l’artiste qui dès lors, donnera une nouvelle approche à son travail ?

H-C C : Toujours hanté par une mythographie personnelle, ce qu’il voit en Rome, ce n’est justement pas la ville épique, la ville mère, le lieu des triomphes, mais la ville de la terre, des sols, des limons successifs où l’histoire est enfouie, les profondeurs où des vies sont à jamais englouties, et paradoxalement c’est Rome qui hâte la coupure avec le passé et qui, telle une remontée au jour, le ramène au réel, à la surface des choses, dessille une fois pour toutes son regard.

- Les œuvres les plus récentes de Philippe Cognée semblent transposer un malaise actuel. En quoi cherche-t-il à l’interpréter, mieux à le sublimer ?

H-C C : On est tenté de voir dans les dernières peintures de Philippe Cognée comme un effort désespéré pour sublimer le chavirement dans lequel le monde paraît sombrer. L’artiste préoccupé auparavant de son environnement familier, comme d’une réalité qui justifiait son art, l’est soudain de la destinée du monde dans son entier, dont il perçoit que le sien n’était qu’un fragment.

- Philippe Cognée a passé une grande partie de son enfance au Bénin, en Afrique. En quoi cette expérience a t-elle imprégné son travail ?

H-C C : Philippe Cognée doit beaucoup à ce séjour africain, qui a largement contribué à former, à imprégner durablement son univers sensible et imaginaire. Les souvenirs en sont encore fort tenaces chez lui. Les odeurs, les impressions visuelles, les matériaux, les techniques artisanales, constituent un fond où il a puisé longtemps, et bien des aspects de son travail, même encore aujourd’hui, trouvent leur raison d’être dans les expériences faites là-bas.

- A 50 ans, Philippe Cognée compte parmi les peintres majeurs de la scène artistique française, en quoi cette monographie contribue-t-elle à asseoir sa réputation à l’échelle internationale ?

H-C C : Il n’existait curieusement pas encore de monographie permettant d’approcher et d’interpréter l’ensemble du travail de Philippe Cognée. Cette publication, par l’abondance des reproductions, leur qualité remarquable, la clarté du parcours qu’elle permet de suivre en ce qui concerne son évolution picturale, son appareil critique enfin, constitue le tout premier instrument de connaissance et de diffusion d’une oeuvre qui n’a cessé depuis vingt ans de s’affirmer comme l’une des plus abouties et des plus cohérentes.
Le fait qu’elle soit bilingue est évidemment capital. Elle permettra aux amateurs, aux connaisseurs, sur un plan international, de prendre enfin la mesure de l’oeuvre d’un artiste qui se situe au premier plan de la scène française.

Philippe Cognée, monographie, introduction d’Henry-Claude Cousseau, texte de Christian Bernard, bilingue anglais/français, biographie et bibliographie, relié, 240 x 300 mm, 288 pages, prix : 50€ TTC, ISBN : 978-2-917515-03-7.
Disponible à la vente à la galerie Daniel Templon.

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Galerie Daniel Templon - 30 rue Beaubourg – 75003 Paris – Tel : 01 42 72 14 10 – www.danieltemplon.com

Jean Degottex est né en 1918 à Jean Degottex est né en 1918 à Sathonay-Camp dans l’Ain à l’époque, la commune faisant partie du Rhône depuis 1967. C’est à vingt et un ans, lors d’un voyage en Algérie et en Tunisie, qu’il commence à peindre. On a qualifié la pratique de cet artiste, héritier autodidacte de Kandinsky, d’abstraction lyrique gestuelle.

Il obtient le prix Kandinsky en 1951 et participe à la création du Salon d’octobre, qui défend l’abstraction lyrique. Dans les années 1970, le peintre confond trait et support, et efface de fait tout concept de représentation. L’œuvre est la toile elle-même, pas ce qu’elle supporte.

L’ensemble des 15 œuvres présentées, essentiellement des monochromes noirs et blancs, est représentatif de la technique de report utilisée par l’artiste, avec trois types de reports : les papiers-pleins, les reports-obliques et les lignes-reports-noirs. Cette technique est détaillée dans un texte d’une grande poésie de Maurice Benhamou, spécialiste incontournable de l’œuvre de Degottex.

A propos du tableau « La lévitation » Maurice Benhamou écrit : « Les lignes estampées n’ont subi aucune soustraction de pigment. Noires sur noir, elles sont à peine visibles. Elles se devinent plutôt qu’elles ne se voient. L’œil dans son élan de lecture depuis l’extrême gauche, les scrute, se demande un instant s’il ne les produit pas lui même. »

Galerie Di Meo – 9 rue des Beaux-Arts – 75006 Paris – Tél : 01 43 54 10 98 – www.dimeo.fr

L’exposition Jean Degottex 1976-1978 se déroulera du 12 février au 3 avril 2010. Le vernissage aura lieu le jeudi 11 février 2010 à partir de 18h à la galerie Di Meo.

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Le photographe François Perri présente et commente 50 portraits d’enfants réalisés depuis 20 ans au cours de voyages en Afrique et en Asie. Un regard sensible et personnel sur la difficile condition des enfants du Sud.

Ces images seront exposées à partir du 20 novembre au siège de l’Unesco. L’exposition, itinérante, tournera ensuite dans le monde.

Le livre Sale gosse ! est un formidable témoignage de vie et d’espoir. Il nous fait entrer dans le monde de ces enfants au travail, à l’école, enfants des rivières, des rues ou des décharges, et nous aide à mieux comprendre. Mieux comprendre pour mieux agir.

Pour chaque livre vendu, 3 euros seront reversés à l’Unesco pour financer des programmes de soutien à l’enfance.

François Perri : “J’ai toujours été sensible à leur ‘débrouillardise’ face à l’adversité, leur dignité et leur courage… Ecoliers sans matériel, ouvriers sans machine, vendeurs de tout et de rien, enfants des rues et des bidonvilles, jeunes réfugiés palestiniens ou orphelins cambodgiens… à tous ces jeunes, héritiers infortunés d’un monde souvent implacable, j’ai voulu rendre hommage.”

Photographe spécialisé dans les sujets ethnosociologiques, François Perri parcourt le monde depuis 1976 et publie ses reportages dans les plus grands journaux français : Grands Reportages, GEO, Photo, Marie-Claire, Match, Figaro Magazine… Surnommé le « tailleur d’images » par un chef touareg, il a monté des ateliers sténopés dans le monde entier et publié plusieurs ouvrages, notamment après son tour du monde en voilier dans le cadre de l’opération « Dans le sillage de Magellan ».

Distribué par le partenaire de Communic’Art, le Comptoir des indépendants, auprès de 600 librairies généralistes et 50 librairies spécialisées, cet ouvrage est aussi référencé sur 40 bases de données professionnelles ainsi que sur des sites de vente en ligne.

UNESCO – 7, place de Fontenoy, 75 732 Paris ou 1, rue Miollis 75 732 Paris – Tel : 01 45 68 10 00 – www.unesco.org

Les 32 dessins présentés font partie de carnets préparatoires à la série des Pierres, qui, au début des années 30, marquent la conversion définitive de Magnelli à l’abstraction.

C’est la première fois que ces dessins sont exposés.

Réalisés en 1931 à Viareggio, ils révèlent le caractère anthropomorphe de la vision qu’a l’artiste des blocs de marbre des carrières de Carrare qui inspirent la célèbre série.

« Tout le monde a souligné que les pierres ont été le point de départ de la dernière période abstraite de Magnelli. Ces dessins ont d’ailleurs servi de modèle à un grand nombre de peintures réalisées entre 1931 et 1934 ! », écrit Nello di Meo.

La préface du livre, écrite par Antonio Tabucchi, autre Toscan célèbre, met en avant un récit d’une grande richesse sur la pierre et ses métaphores :

« L’écrivain regardait les pierres et se disait : qu’est-ce qu’une pierre ? Après y avoir pensé longuement il décida qu’une pierre est une pierre est une pierre. D’accord. Mais peut-être une pierre signifie-t-elle quelque chose ? Non, une pierre en soi, tout comme un arbre en soi, ne signifie rien. Et puis, où donc se trouvaient-elles, ces pierres ? En l’air, comme des astres carrés qui dansent dans le cosmos ? Dans le cœur du peintre ? Dans sa vie ? »

Alberto Magnelli, né en 1888 à Florence, s’est installé définitivement en France en 1931. Ses œuvres sont exposées dans les musées du monde entier, du centre Georges Pompidou au Solomon R. Guggenheim Museum de New York.

L’exposition de dessins d’Alberto Magnelli est présentée du 15 octobre au 28 novembre 2009 à la Galerie Di Meo.

Galerie Di Meo – 9 rue des Beaux-Arts – 75006 Paris – Tél : 01 43 54 10 98 – www.dimeo.fr

Un catalogue a été créé et édité par l’agence Communic’Art à la demande de la galerie Applicat-Prazan. Ce catalogue aux dimensions hors norme (30 x 40 cm, sans reliure) est agencé en deux parties.

Dans la première partie, « Dialogues » sont présentées cinq toiles de Pierre Soulages datant de 1953, 1957, 1958 et 2007.

Ces grands formats montrent en particulier la recherche architecturale qui guide l’artiste dans les années 50.

La seconde partie, « Autour de Pierre Soulages » constitue « un hommage particulier au travail unique de Pierre Soulages en établissant un dialogue exigeant entre ces peintures exceptionnelles et celles – parmi les plus significatives – de quelques grands Artistes abstraits » écrit Franck Prazan.

Communic’Art a également créé un carton d’invitation et des annonces presse pour Art+Auction, Connaissance des Arts et Beaux-Arts Magazine à l’occasion de cette exposition.

L’exposition est d’un très haut niveau, présentant des œuvres toutes d’un niveau de qualité exceptionnelle. Elle a été conçue en parallèle de l’exposition sur Pierre Soulages présentée au Centre Pompidou et qui se déroule du 14 octobre 2009 au 8 mars 2010.

C’est aujourd’hui pour Franck Prazan un moment fort à la mesure de son engagement pour les Modernes : « J’ai longtemps rêvé d’organiser une exposition telle que celle-ci, autour de Pierre Soulages, dont chacun sait quelle admiration je voue à l’homme et à son travail. Au niveau de qualité où elles se situent – pour Soulages évidemment, mais aussi pour Riopelle, Atlan, Schneider, Mathieu, Hartung, Poliakoff ou Vieira – les œuvres parlent, et il n’y a rien à ajouter… Je n’en dirai donc pas davantage si ce n’est que c’est précisément pour le privilège qui m’est ici offert de présenter des tableaux tels que ceux-ci que j’exerce le métier qui est le mien. »

L’exposition « Dialogues I Autour de Pierre Soulages » est présentée sur le stand de la galerie Applicat-Prazan à la FIAC au Grand Palais du 22 au 25 octobre et le sera à la galerie du 30 octobre au 12 décembre 2009.

« Dialogues I Autour de Pierre Soulages » – Texte de Franck Prazan – 36 pages – Format 30 x 40 cm

Galerie Applicat-Prazan – 16, rue de Seine – 75006 Paris – Tél : 01 43 25 39 24 – www.applicat-prazan.com

Avec une introduction d’Henry-Claude Cousseau (directeur de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts) et un texte de Christian Bernard (directeur du Mamco de Genève), cet ouvrage regroupe plus de 200 œuvres réalisées ces vingt dernières années.

L’organisation thématique des œuvres offre une vision panoramique sans imposer l’exhaustivité. On y perçoit la réflexion profonde qui les unit, cohérence de la démarche artistique de ce peintre majeur.

A 50 ans, Philippe Cognée compte bien parmi les peintres majeurs de la scène artistique française. Ilexplore les notions de regard, d’image et de mémoire.

Il propose une réflexion sur la condition de l’homme moderne mais également sur la question du « sujet » en peinture, les rapports entre abstraction et figuration, entre image peinte et image photographique.

Cognée puise son inspiration dans le quotidien le plus familier. Ses paysages urbains, tours, autoroutes, supermarchés, abattoirs, containers… sont transcendés par une touche large et puissante soulignée par une technique originale de peinture à la cire.

« Chez Philippe Cognée », souligne Henry-Claude Cousseau dans l’introduction du livre, « tout est, pour ainsi dire, encadré. Le cadre, matérialisé ou non, a pour mission, comme plus tard le procédé photographique, de focaliser l’attention, de produire, de constituer l’image comme un espace qui force l’attention du regard, pour le capturer. De même l’artiste oppose le caractère lisse et uniforme de la peinture. »

Henry-Claude Cousseau évoque ainsi un « jeu entre l’épiderme de la peinture, granuleux, diapré, suggérant le volume par un savant jeu de glacis, et celui des surfaces travaillées de stries et d’accidents. »

Distribué par le Comptoir des indépendants auprès de 600 librairies généralistes et 50 spécialisées, cet ouvrage est aussi référencé sur 40 bases de données ainsi que sur des sites de vente en ligne.

Rendez-vous cet automne pour l’exposition de Philippe Cognée à la galerie Daniel Templon du 31 octobre au 31 décembre 2009.  Notez également qu’une signature du livre est prévue à la librairie Flammarion du Centre Georges Pompidou le 14 novembre 2009.

Galerie Daniel Templon - 30 rue Beaubourg – 75003 Paris – Tel : 01 42 72 14 10 – www.danieltemplon.com

A seulement 29 ans, d’origine bulgare Oda Jaune développe un univers unique, où se croisent dans une atmosphère onirique, influences surréalistes, iconographie rétro, réalisme socialiste, réminiscences du cinéma hollywoodien, réclame ou faits divers.

Née en 1979 à Sofia, Oda Jaune est arrivée à l’adolescence en Allemagne. Elle a fait ses études à l’Académie des Beaux-Arts de Düsseldorf, où elle a été l’étudiante du peintre Jörg Immendorff.

Son travail, très personnel et d’une maturité inhabituelle, explore un monde étrange où individus, objets, formes non identifiées évoluent dans des scènes à la fois poétiques et dérangeantes.

Régulièrement, un organe ambigu – cœur, morceau de chair ou langue – fait une apparition inattendue, renforçant une impression de sensualité mais aussi d’étrangeté, proche du fantastique.

« Au premier regard, souligne Catherine Millet dans l’introduction du catalogue, rien ne vient rompre l’harmonie de ses compositions, et il faut se déprendre de leur atmosphère paisible pour bien réaliser la monstruosité de ce gigantesque doigt souillé qui vient, à la place d’un buste humain, dans le prolongement de deux jambes au-dessus desquelles s’affaire une esthéticienne appliquée. Pour voir apparaître, au premier plan du même tableau, un cœur à vif au milieu d’un bouquet de roses. »

L’artiste construit son tableau comme un scénario de film mais à la manière des maîtres anciens, entre baroque et maniérisme. Les thèmes abordés sont empruntés à son environnement proche : souvenirs, lectures, images aperçues sur Internet.

Après plusieurs années à Düsseldorf, Oda Jaune a choisi de s’installer à Paris en 2008.

Elle a exposé à la Kunsthalle de Coblence (2004) et à la Fondazione Mudima de Milan (2007).

Elle a participé à de nombreuses expositions de groupe, à la galerie White Space à Pékin (2003), au Küpperssmühle Museum de Duisburg (2007) et à la 11e Mostra Internazionale di Architettura de Venise (2008).

Ce catalogue est distribué par le Comptoir des indépendants auprès de 600 librairies généralistes et 50 spécialisées. Il est aussi référencé sur 40 bases de données ainsi que sur des sites de vente en ligne.

Galerie Daniel Templon – 30 rue Beaubourg – 75003 Paris – Tel : 01 42 72 14 10 – www.danieltemplon.com

Depuis les années quatre-vingts, l’œuvre de Loïc Le Groumellec tient une place particulière dans la peinture française.

Ses toiles saturées de blancs et de noirs s’impriment immédiatement dans nos esprits par leur beauté plastique et leur singularité.

L’artiste représente des symboles forts dans une gamme chromatique limitée et définit ainsi un univers étrange baigné de solitude et de mysticisme, de religieux et de païen.

Galerie Daniel Templon – 30 rue Beaubourg – 75003 Paris – Tél : 01 42 72 14 10 – www.danieltemplon.com